Cultura integrada
Serpentine Pavilion hace de su arquitectura, arte y proyectos una experiencia interactiva en Londres
Desde hace 22 las Serpentine Galleries encargan a los mejores arquitectos del mundo el diseño y la construcción de este pabellón de verano, que tiene una vida útil de solo tres meses en los que alberga eventos en vivo con música, danza, literatura y más
Foto: Cortesía de Serpentine
@gabrielapallares
En la escena internacional existen varios ejemplos de ciudades que potencian sus espacios al aire libre a través de infinitas propuestas culturales, entre las que se incluyen actividades artísticas itinerantes, en especial, durante los meses de verano que permiten un mayor disfrute a cielo abierto.
Este tipo de acciones no solo habla de una gestión urbana organizada y proactiva, sino que se presenta como una poderosa estrategia de marketing a la hora de posicionar a una localidad como destino cultural con gran despliegue de creatividad y talentos.
Agregar a la agenda cotidiana interesantes programas que promuevan la dinámica de museos y galerías, así como el uso de espacios comunes de la ciudad para potenciar diversas disciplinas, es sin dudas una de las herramientas más válidas para integrar comunidades, convocar gente joven y atraer turistas.
La edición 2022 fue diseñada por el artista residente en Chicago Theaster Gates en colaboración con Adjaye Associates. Black Chapel hace referencia a los templetes romanos y estructuras africanas tradicionales.
La edición 2021 fue diseñada por Sumayya Vally, una arquitecta musulmana oriunda de Sudáfrica, directora de la oficina Counterspace.
En Londres, Serpentine Galleries vale como inspiración de caso de éxito. Desde su apertura en 1970, bajo administración privada, exhibe muestras de arte contemporáneo en dos sitios: Serpentine South y Serpentine North, separados por una corta distancia entre sí, en el distrito de Kensington Gardens. Cada uno alberga unas tres exposiciones al año que incluyen instalaciones, diseño, arquitectura, performances y proyectos comunitarios.
Desde su apertura, la galería ha reunido una amplia gama de artistas emergentes y aclamados. En los últimos años, se exhibieron pinturas de Hilma af Klint, Lynette Yiadom-Boakye y Faith Ringgold, así como instalaciones a gran escala, incluida una escultura flotante de Christo y Jeanne-Claude.
El turno en 2018 fue para la mexicana de gran prestigio Frida Escobedo, que usó una superposición en celosía de tejas de cemento, de inspiración mexicana, pero fabricadas en Reino Unido.
El arquitecto nacido en Burkina Faso Francis Kéré fue el encargado del proyecto en la edición 2017. Su característica es el uso de materiales locales para una imagen contemporánea, con estilo y de bajo costo.
Este ejemplo tiene como autor al arquitecto japonés Junya Ishigami. Previo paso por el estudio Sanaa, abrió su práctica independiente y es uno de los principales exponentes de la arquitectura paisajista asiática inspirada en fenómenos naturales.
La cereza de la torta en su objetivo de fomentar el arte libre, público y gratuito para todos los ciudadanos es la implementación de su programa Serpentine Pavilion, que supone la construcción de un pabellón de diseño y la organización de eventos en vivo con música, danza, literatura y más. Con cada nueva edición, desde hace 22 años, la galería encarga a los mejores arquitectos del mundo el diseño de este pabellón de verano que tendrá una vida útil de solo tres meses.
La propuesta invita a estudios internacionales, muchos de ellos ganadores de premios Pritzker (el mayor galardón del rubro arquitectura). Pero incluso, aunque sean reconocidos, este proyecto es una vidriera importante de visibilidad, que en varios casos ha funcionado como puntapié para aterrizar con otros proyectos posteriores en la ciudad de Londres de estudios que nunca habían operado allí.
Usualmente, desde el encargo a la inauguración no pasan más de seis meses, por lo que el desafío exige creatividad e innovación en tiempo récord con resultados realmente impactantes.
Esta edición. Hace tan solo unos días se inauguró el pabellón de este 2023, diseñado por la arquitecta francolibanesa con sede en París Lina Ghotmeh. La construcción consta de una estructura circular de madera que alberga una mesa concéntrica a lo largo de todo el perímetro.
Siguiendo la herencia mediterránea de su creadora, el proyecto está inspirado en una aspiración personal de la arquitecta de reconvertir nuestro vínculo con el planeta en una relación sostenible. Así, la obra se titula À table e invita al ejercicio de sentarse juntos alrededor de una mesa circular para celebrar el intercambio de ideas, inquietudes, responsabilidades, tradiciones y memorias culturales.
El pabellón se construyó predominantemente con materiales de origen biológico y con baja huella de carbono, en diálogo no solo con la idea conceptual sino con el entorno natural en el que se inserta la estructura.
Este año la encargada de Serpentine Pavillion fue Lina Ghotmeh. Foto: Cortesía de Serpentine
La forma emula la de las copas de los árboles del parque, las vigas de madera internas que rodean el perímetro emergen como troncos delgados y los paneles calados que se asientan entre las vigas presentan patrones recortados similares a plantas, lo que ayuda a la ventilación y permite la entrada de luz natural.
En cuanto al techo plisado, se inspira en la estructura de una hoja de palma, mientras que el pozo de luz en el centro favorece la integración del espacio con su entorno. El techo bajo y modesto evoca las togunas: estructuras que se encuentran en Malí (África Occidental), que se utilizan tradicionalmente para reuniones comunitarias en las que se discuten temas de actualidad.
Serpentine Pavillion es un espacio para eventos en vivo con música, danza, literatura y más. Foto: Cortesía de Serpentine
En este diseño, Ghotmeh también honra la historia de la galería Serpentine South, que originalmente era una casa de té. Diseñado por James Gray West, el edificio se inauguró en 1934 y se convirtió en una galería de arte en 1970. En los meses de verano hasta principios de la década de 1960, el área de descanso del café también se expandía al césped, que ahora ocupa el pabellón.
Haciéndose de esta historia, la arquitecta incorporó el menú del café del pabellón en su proceso de diseño, ofreciendo platos de origen mediterráneo elaborados con ingredientes locales y estacionales. Además, para sumar a la ambientación, el artista y compositor libanés Tarek Atoui creó un paisaje sonoro que acompaña la experiencia, basado en los bocetos del proyecto, los materiales utilizados y una investigación propia sobre la música árabe clásica y rural.
Serpentine Pavillion alberga una mesa concéntrica a lo largo de todo el perímetro, una alegoría de encuentro, diálogo y comunicación. Foto: Cortesía de Serpentine
Más allá del escaso tiempo de producción y del presupuesto limitado con el que se ejecutan estos pabellones (que en la gran mayoría de los casos acaban siendo verdaderas obras maestras), lo que llama poderosamente la atención de este tipo de prácticas es el lugar que ocupa el arte y el diseño en toda la gestión global de actividades y comunicación urbana, fomentando la interacción entre un sinfín de actores: museos, galerías, empresas, marcas, gobierno, artistas, ciudadanos y más.
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Arte en las plazas
Entre la agenda de actividades que complementa la exhibición de la galería y el pabellón, en Kensington Gardens se pueden encontrar estructuras interactivas dispuestas en espacios públicos con el fin de invitar a los visitantes a vincularse con el arte en un entorno de profunda naturaleza.
Uno de los trabajos más destacados de esta edición es el del artista multimedia argentino Tomás Saraceno Webs of Life, en The Royal Parks. La obra se basa en la investigación en curso de su creador sobre las arañas como fuente de inspiración, a través de una extraordinaria arquitectura que enreda al espectador en diversas percepciones.
Al ingresar a esta exposición “viva”, se sugiere a los visitantes entregar voluntariamente sus teléfonos móviles, incitando a romper con la dependencia de la tecnología y reconectarse con el entorno con una actitud más receptiva.
El artista multimedio argentino Tomás Saraceno participa este año con una exposición que honda en cómo se conectan diferentes formas de vida y tecnología en la emergencia climática.
Obra de Tomás Saraceno.
Esta es la primera vez que el artista instala una muestra en Reino Unido y para ello contó con la colaboración de varias comunidades como Arachnophilia, Aerocene y Somié, que alientan a aprender sobre cómo funcionan los bioindicadores, entendidos como aquellos organismos utilizados para evaluar u observar el estado del ecosistema.
Este concepto se explica mediante una instalación fílmica inmersiva que acompaña la exposición, donde se aborda la continuación de una larga relación entre la comunidad de activismo ambiental Aerocene —fundada por Saraceno— y otras comunidades que luchan por proteger sus tierras de la contaminación y cuidar los recursos naturales.
Un recorrido explorando diversas ciudades e islas remotas ofrece una perspectiva que posiciona al país oriental como una cultura de avanzada Publicado el 07.06.2023
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